Сегодня выражение «электронная музыка» объединяет огромное количество направлений, которые могут быть совершенно не похожи друг на друга. Спокойный эмбиент, клубный хаус, механическое техно, мелодичный транс, стремительный драм-н-бейс и тяжелый дабстеп создаются при помощи схожего набора технологий, но возникли в разных городах, социальных средах и музыкальных культурах.

История электронной музыки развивалась не как последовательная смена жанров. Новые направления появлялись тогда, когда музыканты получали доступ к новым инструментам или начинали необычным образом использовать уже существующее оборудование. Дешевые драм-машины, синтезаторы, семплеры и домашние компьютеры позволили небольшим независимым сценам создавать музыку без традиционной рок-группы и дорогостоящей студии. В результате несколько клубов в Чикаго, Детройте, Лондоне, Берлине и других городах оказали огромное влияние на мировую поп-культуру.

Содержание

• С чего началась электронная музыка
• Как синтезаторы изменили представление о музыкальном инструменте
• Почему диско подготовило появление клубной электроники
• Как появился синти-поп
• Как Чикаго создал хаус
• Почему техно родилось именно в Детройте
• Как одна небольшая бас-машина породила эйсид-хаус
• Как эмбиент превратил звук в пространство
• Почему транс сделал электронную музыку мелодичной и гипнотической
• Как британские рейвы породили джангл и драм-н-бейс
• Как появился трип-хоп
• Почему биг-бит вывел клубную музыку к рок-аудитории
• Как из лондонского андеграунда появился дабстеп
• Откуда появился термин EDM
• Почему электронная музыка постоянно делится на новые жанры

С чего началась электронная музыка

История электронной музыки началась значительно раньше появления ночных клубов и диджеев. Еще в первой половине XX века композиторы экспериментировали с электрическими инструментами, магнитной записью и искусственно создаваемыми звуками.

В 1940-х и 1950-х годах появились эксперименты с магнитной лентой. Записанный звук можно было разрезать, соединять, воспроизводить в обратном направлении и менять его скорость. Так возникла идея использовать студию не просто для фиксации готового исполнения, а как самостоятельный инструмент создания музыки.

Французская musique concrète строилась на обработке записей реальных звуков: движения поездов, механизмов, человеческого голоса и музыкальных инструментов. Параллельно развивалась электронная композиция, использовавшая звуки генераторов и другого специального оборудования.

Эта музыка была преимущественно экспериментальной и академической. Но главный принцип будущей электронной культуры уже появился: музыканту больше не обязательно получать каждый звук непосредственно от традиционного инструмента.

Как синтезаторы изменили представление о музыкальном инструменте

Настоящий перелом произошел с развитием синтезаторов. Они позволяли создавать звук при помощи электронных генераторов и затем изменять его фильтрами, огибающими и другими параметрами.

Первые системы были дорогими и громоздкими, но постепенно появились более компактные инструменты. В 1960-х и 1970-х синтезаторы начали проникать из экспериментальных лабораторий в рок, поп-музыку и кино.

Особенно важной стала возможность создавать тембр, которого вообще не существовало среди акустических инструментов. Музыканту больше не требовалось имитировать фортепиано, скрипку или трубу. Электронный звук мог быть ценен именно своей искусственностью.

В 1970-х эту идею активно развивали европейские коллективы. Немецкая сцена показала, что синтезаторы, секвенсоры и электронные ритмы способны стать основой полноценной популярной музыки.

Особое влияние оказала группа Kraftwerk. Ее холодное, точное и одновременно мелодичное звучание впоследствии отразилось на синти-попе, хип-хопе, электро и детройтском техно.

Почему диско подготовило появление клубной электроники

Электронная танцевальная музыка во многом выросла из диско-культуры 1970-х. Именно диско закрепило идею продолжительного танцевального ритма и превратило диджея в важного участника музыкальной сцены.

Для клубов стали выпускаться удлиненные версии песен. Длинные инструментальные участки позволяли диджею плавно соединять несколько записей, сохраняя танец практически без остановок.

Продюсеры начали все активнее использовать синтезаторы и электронные ритмы. Знаковой стала эстетика, в которой повторяющаяся электронная пульсация могла удерживать всю композицию.

Когда массовая популярность диско в США пошла на спад, сама клубная культура не исчезла. В небольших клубах продолжали работать диджеи, которым требовалась новая танцевальная музыка.

Из этой среды вскоре появились хаус и другие направления, которые сохранили танцевальную основу диско, но сделали звучание более электронным, минималистичным и ориентированным непосредственно на диджейский сет.

Как появился синти-поп

В конце 1970-х и начале 1980-х электронные инструменты стали значительно доступнее. Одновременно постпанк и новая волна создали аудиторию, готовую к более экспериментальному звучанию.

Так сформировался синти-поп, в котором синтезаторы перестали быть дополнительным эффектом и заняли место основных инструментов.

Вместо традиционной рок-схемы с двумя гитарами, басом и ударными музыканты могли использовать синтезатор, секвенсор и драм-машину. Это радикально изменило не только звук, но и сам внешний образ музыкальной группы.

Синти-поп сохранил привычную песенную форму с куплетами и припевами, поэтому электронная эстетика смогла легко войти в массовую поп-культуру.

Именно в 1980-е электронный звук окончательно перестал восприниматься исключительно как эксперимент. Он стал нормальной частью мировой популярной музыки.

Как Чикаго создал хаус

Одно из важнейших направлений электронной музыки появилось в Чикаго на рубеже 1970-х и 1980-х годов.

Ключевым местом стал клуб Warehouse, где работал диджей Фрэнки Наклз. Основную аудиторию площадки составляли чернокожие и латиноамериканские представители городской клубной культуры, в том числе ЛГБТ-аудитория.

Наклз смешивал диско, соул, ритм-н-блюз и европейскую электронную музыку, редактировал записи, увеличивал продолжительность отдельных участков и использовал дополнительные ритмические элементы.

Постепенно чикагские музыканты начали создавать собственные композиции специально для клубов. Использование драм-машин позволяло получить четкий прямой ритм с ударом бас-барабана на каждой четверти.

Так появился узнаваемый фундамент хауса: прямой пульс, повторяющиеся вокальные фразы, бас и композиция, рассчитанная прежде всего на танцпол.

В дальнейшем хаус разделился на огромное количество направлений: deep house, garage house, progressive house, tech house и другие. Но основной четырехдольный ритм остается узнаваемым уже несколько десятилетий.

Почему техно родилось именно в Детройте

Почти одновременно с развитием чикагского хауса собственная электронная сцена возникла в районе Детройта.

С ее ранней историей особенно тесно связаны Хуан Аткинс, Деррик Мэй и Кевин Сондерсон, которых позднее стали называть Belleville Three.

На их музыку одновременно влияли афроамериканский фанк, европейская электроника, синти-поп и футуристическая эстетика. Особенно заметным источником вдохновения стал Kraftwerk.

Но детройтские музыканты не просто копировали европейское звучание. Они соединяли механический электронный ритм с американской танцевальной традицией и ощущением индустриального города.

Если хаус часто сохранял связь с диско, соулом и вокальной музыкой, техно развивало более абстрактную и футуристическую сторону электроники. Машина переставала имитировать живого музыканта и становилась полноценной частью эстетики.

Во второй половине 1980-х детройтское техно получило международную аудиторию, особенно в Европе. Затем оно стало фундаментом огромной клубной культуры и породило множество более жестких, минималистичных и экспериментальных направлений.

Как одна небольшая бас-машина породила эйсид-хаус

Иногда новый жанр появляется благодаря неожиданному использованию конкретного музыкального устройства. Именно так произошло с эйсид-хаусом.

Синтезатор Roland TB-303 первоначально создавался как устройство для воспроизведения басовых партий. Большого успеха в этой роли он не получил.

Но музыканты обнаружили, что изменение параметров фильтра во время воспроизведения последовательности создает необычный скользящий и резонансный звук.

Этот тембр прекрасно сочетался с ритмом хауса. Во второй половине 1980-х характерное звучание 303 стало основой эйсид-хауса.

Направление быстро пересекло Атлантику и получило особенно большое влияние в Великобритании. В конце 1980-х британская эйсид-хаус-сцена стала одним из источников массовой рейв-культуры.

История TB-303 стала классическим примером того, как электронные музыканты превращают техническое ограничение или даже коммерчески неудачный инструмент в основу нового музыкального языка.

Как эмбиент превратил звук в пространство

Не вся электронная музыка создавалась для танца. В 1970-х постепенно формировался противоположный подход, в котором главным становилось не ритмическое движение, а звуковая атмосфера.

С понятием ambient особенно тесно связано творчество Брайана Ино. Его идея заключалась в создании музыки, которая могла одновременно быть заметной и почти растворяться в окружающем пространстве.

В эмбиенте традиционная песенная структура часто исчезает. Может не быть привычного припева, четкого ритма или очевидной кульминации.

Вместо этого используются протяженные звуки, медленные изменения, реверберация, повторяющиеся текстуры и ощущение пространства.

Эмбиент оказал влияние далеко за пределами собственного жанра. Его приемы встречаются в кино, игровой музыке, техно, IDM, построке и современной экспериментальной электронике.

Он доказал, что электронная музыка не обязательно должна постоянно требовать внимания. Иногда ее задача заключается в создании среды, внутри которой находится слушатель.

Почему транс сделал электронную музыку мелодичной и гипнотической

В конце 1980-х и начале 1990-х европейская клубная культура быстро развивалась. Техно и хаус становились жестче и разнообразнее, а часть продюсеров начала уделять больше внимания длинным мелодическим построениям.

Так сформировался транс. Особенно важную роль в его раннем развитии сыграла немецкая сцена начала 1990-х, включая Франкфурт и Берлин.

Название хорошо описывает основную идею жанра. Повторяющийся ритм, арпеджио и постепенное развитие должны вводить слушателя в состояние музыкального погружения.

Транс часто строится на длинной драматургии. После ритмического начала композиция постепенно развивается, затем ударные могут исчезнуть, появляется мелодическая пауза, после которой ритм возвращается с большей интенсивностью.

В 1990-х жанр разделился на несколько направлений. Появились progressive trance, uplifting trance, Goa trance и psytrance.

К концу десятилетия транс вышел из андеграунда на огромные фестивали и стал одним из наиболее узнаваемых европейских электронных жанров.

Как британские рейвы породили джангл и драм-н-бейс

В Великобритании электронная культура начала 1990-х пошла по собственному пути.

Хаус и техно смешались с британской рейв-сценой, хип-хопом, семплированием и сильным влиянием ямайской саунд-системной культуры.

Продюсеры начали ускорять и разрезать записанные барабанные брейки. Вместо ровного прямого ритма возникали сложные синкопированные рисунки.

Одним из наиболее часто использовавшихся источников стал знаменитый Amen Break, короткая барабанная партия из записи конца 1960-х. Благодаря семплерам ее можно было ускорять, разрезать на отдельные удары и собирать заново.

В начале 1990-х из breakbeat hardcore постепенно сформировался джангл. Быстрые барабаны сочетались с глубоким басом, элементами регги, даба и дэнсхолла.

К середине десятилетия параллельно закрепилось название drum and bass. Звучание стало развиваться в нескольких направлениях: от атмосферных и джазовых форм до исключительно жесткого технического материала.

Драм-н-бейс оказался одним из наиболее устойчивых британских электронных жанров и продолжил активно изменяться уже в XXI веке.

Как появился трип-хоп

Еще одна важная британская сцена сформировалась в Бристоле в конце 1980-х и начале 1990-х.

Здесь электронный продакшен соединялся с хип-хоповыми ритмами, дабом, соулом, эмбиентом и мрачной кинематографичной атмосферой.

Позднее эту музыку стали называть трип-хопом.

В отличие от танцевального хауса или стремительного джангла, трип-хоп обычно использовал медленный бит. Большую роль играли семплы, глубокий бас и ощущение пространства.

Massive Attack, Portishead и Tricky показали, что электронный продакшен может существовать рядом с традиционной песней, женским вокалом, рэпом и экспериментальной музыкой.

Трип-хоп стал одним из важнейших примеров того, как клубные технологии проникли в музыку, которая вообще не обязательно предназначалась для танцпола.

Почему биг-бит вывел клубную музыку к рок-аудитории

В середине 1990-х электронная музыка стала все активнее пересекаться с большой фестивальной культурой.

Одним из наиболее заметных направлений оказался биг-бит. Он сочетал тяжелые брейкбиты, семплы, рок-элементы, синтезаторы и структуру, рассчитанную на максимально энергичное звучание.

В отличие от части клубных жанров, биг-бит легко воспринимался слушателями, привыкшими к року.

Большие риффы, агрессивная динамика и концертная энергия позволили электронным исполнителям выходить на фестивальные сцены рядом с традиционными группами.

The Prodigy, The Chemical Brothers и Fatboy Slim стали одними из наиболее заметных представителей этого периода.

Биг-бит показал, что электронный артист может восприниматься массовой аудиторией почти как рок-звезда, даже если центральным инструментом остается студия и электронное оборудование.

Как из лондонского андеграунда появился дабстеп

В начале 2000-х в Великобритании возникло еще одно направление, выросшее из сложной сети местных клубных жанров.

Дабстеп сформировался в Южном Лондоне под влиянием UK garage, 2-step, даба, драм-н-бейса и других направлений британской бас-музыки.

Ранний дабстеп был значительно более минималистичным, чем его поздняя фестивальная версия. Пространство между ударами имело почти такое же значение, как сами звуки.

Главным элементом становился чрезвычайно глубокий саб-бас, физически ощущавшийся через мощную клубную звуковую систему.

Ритм часто воспринимался медленнее привычной танцевальной музыки, а атмосфера оставалась темной и просторной.

Позднее жанр получил международное развитие. Продюсеры начали использовать значительно более агрессивные басовые тембры и драматичные дропы.

Именно эта версия дабстепа в начале 2010-х стала частью массовой фестивальной и поп-культуры, хотя первоначальная британская сцена звучала заметно иначе.

Откуда появился термин EDM

Выражение electronic dance music существовало и раньше, но в 2000-х и особенно в начале 2010-х сокращение EDM стало широко использоваться как обозначение массовой фестивальной электронной музыки.

Важно понимать, что EDM не является одним четко определенным жанром вроде хауса или техно. Скорее это широкая категория, объединяющая различные формы электронной танцевальной музыки.

Во время фестивального бума особенно популярными стали направления с ярко выраженной драматургией: постепенное нарастание, пауза и мощный дроп.

Электронные исполнители начали выступать на огромных сценах, а визуальное шоу, свет, пиротехника и видеографика стали практически равноправными элементами концерта.

Одновременно электронный продакшен окончательно проник в мировую поп-музыку. Граница между клубным продюсером и поп-автором стала значительно менее очевидной.

Почему электронная музыка постоянно делится на новые жанры

Электронная музыка особенно склонна к появлению новых поджанров, потому что даже небольшое изменение технологии способно заметно изменить результат.

Новая драм-машина создает другой характер ритма. Новый синтезатор формирует необычный тембр. Семплер позволяет по-новому обращаться с чужими и собственными записями. Компьютерная программа открывает методы обработки, которые раньше требовали целой студии.

Но технология является только половиной истории. Не менее важна среда.

Хаус невозможно полностью отделить от клубного Чикаго. Детройтское техно связано с особым сочетанием афроамериканской музыкальной культуры и индустриального футуризма. Джангл вырос из британской рейв-сцены и ямайской саунд-системной традиции. Дабстеп формировался вокруг небольших лондонских клубов и мощного саб-баса.

Каждое направление появлялось не просто потому, что кто-то выбрал другой темп. Музыканты создавали звук, подходивший их площадкам, аудитории и культурному окружению.

Затем происходил следующий этап. Локальная сцена становилась популярнее, записи попадали в другие города и страны, а новые продюсеры начинали изменять первоначальную формулу.

Так один жанр постепенно разделялся на несколько новых. Из хауса появились десятки разновидностей. Техно получило минималистичные, индустриальные и более жесткие формы. Джангл развился в огромную культуру драм-н-бейса. Транс породил progressive, uplifting и психоделические направления.

При этом жанры постоянно обмениваются идеями. Современная композиция может одновременно использовать прямой хаусовый ритм, техно-синтезаторы, драм-н-бейсовые брейки и структуру поп-песни.

Поэтому историю электронной музыки правильнее воспринимать не как дерево с четко отделенными ветвями, а как постоянно меняющуюся сеть.

Главная революция электронной музыки заключалась даже не в появлении синтезатора. Она изменила сам принцип создания произведения. Запись, инструмент, студия и процесс композиции постепенно слились в единое целое.

Именно благодаря этому неизвестный музыкант с несколькими электронными устройствами или компьютером способен создать новый звук без большого оркестра и дорогой профессиональной студии. Так происходило во время рождения хауса, техно, джангла и многих других направлений.

Электронная музыка продолжает развиваться по тому же принципу. Как только появляется новая технология или новое сообщество начинает использовать старые инструменты неожиданным способом, возникает возможность для следующего жанра, название которого сегодня еще может вообще не существовать.